L’exposition Spring Is In The Air à la Galerie 7

Dates clés : L’exposition se tient du 17 septembre au 17 octobre 2026.

Cadre institutionnel : Cet événement est organisé en résonance avec la Biennale de Lyon et s’inscrit dans le cadre de la Biennale textile de Clermont-Ferrand, mettant en valeur des pratiques artistiques contemporaines innovantes.

Lieu : Elle accueille les visiteurs au Showroom Galerie_7, situé au 7 place Gailleton, dans le 2e arrondissement de Lyon.

1) Un parcours entre métal et poésie

Le choc des textures : L’exposition met en lumière la démarche unique de Severija Inčirauskaitė-Kriaunevičienė, qui perfore de la tôle et des objets industriels rigides pour y coudre des broderies colorées au point de croix.

Le souffle du printemps : Intitulée Spring Is In Air, l’exposition insuffle une ironie poétique et des motifs floraux délicats au cœur de supports froids ou usagés, illustrant la résilience de la nature et de la beauté.

Subversion des codes : Les pièces présentées interrogent les stéréotypes de genre en mariant l’univers de la métallurgie lourde à la finesse des ouvrages textiles traditionnels.Informations pratiques pour votre visite

Contexte : Cette exposition monographique majeure est organisée dans le cadre de la Biennale textile de Clermont-Ferrand, en résonance directe avec la prestigieuse Biennale de Lyon.

Détails : L’exposition rassemble ses œuvres les plus récentes créées au cours des cinq dernières années. Elle met en scène la juxtaposition d’objets du quotidien rouillés ou usés (valises anciennes en cuir, couvercles métalliques) colonisés par de délicates broderies florales de papillons (comme la série Tourist’s Delight). À travers cette collection, l’artiste jette un regard critique et poétique sur la crise écologique mondiale et la résurgence des empires coloniaux.

Horaires : Le showroom est ouvert du lundi au samedi de 10h à 17h (fermé le dimanche).

Accès : Idéalement situé au cœur de la Presqu’île, le lieu est facilement accessible en transports en commun (métro A, arrêts Bellecour ou Ampère).

2) Aperçu général de l’oeuvre de Severija Inčirauskaitė-Kriaunevičienė ,

Techniques et créations les plus emblématiques :

1. La signature artistique :

Le métal et le point de croix :

• La démarche la plus célèbre de Severija Inčiurauskaitė-Kriaunevičienė consiste à percer et broder des objets en métal rigide, souvent rouillés ou abandonnés (portières de voitures, pelles, seaux, fers à repasser, poêles, panneaux de signalisation ou ustensiles de cuisine) à l’aide de fils colorés en utilisant la technique traditionnelle du point de croix.
• Ce contraste saisissant crée un dialogue visuel et conceptuel fort entre :La dureté, la froideur et la robustesse du métal industriel. La douceur, la couleur et la fragilité de la broderie, traditionnellement associée au foyer et à la sphère féminine.

2. Œuvres et séries emblématiques

• Les portières et éléments de voitures brodés : L’une de ses séries les plus célèbres intègre des motifs floraux délicats brodés directement sur des tôles de véhicules accidentés ou usagés, transformant des carcasses de voitures en toiles texturées et poétiques.
• Kill for Peace (Installation) : Une installation d’envergure qui lui a valu le prix de la meilleure installation à la foire d’art contemporain ArtVilnius, combinant son esthétique percutante et ses réflexions géopolitiques et humanistes.
• A Path Strewn With Roses (Une route parsemée de roses) : Un projet artistique d’envergure (présenté notamment dans le cadre de Vilnius capitale européenne de la culture) où l’artiste réinvestit des espaces ou des objets du quotidien en y insufflant des motifs floraux inattendus. Softly About Football (Doucement sur le football) : Une série décalée qui détourne l’univers traditionnellement viril et rude du football à travers le prisme du textile et de la broderie.
• Objets du quotidien détournés : Des passoires, des pelles, des seaux, des boîtes de conserve ou des fers à repasser anciens qu’elle perfore minutieusement pour y faire naître des motifs de fleurs, d’animaux ou de paysages.

3. Thèmes et philosophie de son travail

Le concept de « Ready-made » et l’histoire des objets :

• L’artiste récupère des objets ayant déjà servi. Pour elle, chaque objet possède une histoire unique qu’elle prolonge et réinvente en y apposant sa broderie.
• La confrontation des contraires : Son travail questionne les stéréotypes de genre en unissant des univers opposés (le travail de force/métallurgie traditionnellement masculin et l’art de l’aiguille traditionnellement féminin).
• La fragilité de la vie et la mémoire : À travers le fil coloré qui vient « réparer » ou orner le métal rouillé, ses œuvres évoquent la résilience, la beauté au cœur de la déchéance matérielle et la fragilité de notre condition.

Ses œuvres ont été exposées dans de nombreuses galeries et foires internationales prestigieuses (comme la Saatchi Gallery à Londres) et figurent dans les collections de divers musées d’art et de design à travers le monde.

Mise en ligne nouveau site internet, détaillant les oeuvres, les expositions, la démarche artistique de Sabine Cibert.

L’univers artistique de Sabine Cibert : une abstraction sensible

Sabine Cibert développe une œuvre textile contemporaine qui se situe à la lisière de l’architecture, du paysage et de la géométrie. Un temps architecte-urbaniste, elle a transposé la rigueur des structures bâties dans la souplesse du textile pour créer ce qu’elle nomme des « partitions textiles ».

Le travail est une quête de la « lenteur habitée ». Chaque œuvre est le fruit d’un processus temporel long, exigeant des centaines d’heures de travail manuel, transformant la matière textile en une surface vibrante qui dialogue avec l’espace environnant.

En savoir plus

Works in progress

G. : C’est creux. Quel est ton message, en tant qu’artiste dans ce travail ! Qu’est-ce que tu veux dire ?
S. : Est-ce que je dois dire quelque chose en particulier ?
G. : Je ne sais pas… Tu as pris ces photos – de cette femme… Nue. Elle est jeune, elle est belle… Tu étais visiblement attiré par ses formes… par elle (!) : Qu’est-ce que tu avais en tête ?! Qu’est-ce que tu voulais dire?
S. : Mais non…
Je m’en fiche si je veux dire quelque chose ou pas…
La photographie, c’est avant tout une chose instinctivev, pulsionnelle, esthétique…
Les gens qui pensent que l’esthétique est une chose superficielle sont des gens superficiels : ces gens là ne sont pas capables d’apprécier l’essence des choses – d’accepter la réalité immédiate que leurs sens leur expriment, d’accepter la nature de leurs émotions ou de vouloir dire n’importe quoi… Tu vois, par exemple, cette feuille dans les arbres? Ça peut être aussi sensuel que cette femme – aussi sensé. Regarde : les ombres et les lumières la percent – s’y dispersent – tout ce feuillage s’ombrage et s’éclaire. C’est tout aussi attirant que cette femme pour moi. Et ne pas avoir besoin d’en dire grand chose ne veut pas dire ennuyeux : bien au contraire.

Est-ce que c’est creux, de savoir vivre, de savoir voir, de savoir sentir, de savoir toucher de savoir aimer la simple existence d’une personne, d’une chose telle qu’elle se présente?

La vie n’est que la vie…Et finalement : Quel message? …

https://sberaud.com/

Animé par mon intuition et ma curiosité d’abord, l’appareil photo est pour moi un moyen de révéler, de trouver des correspondances avec des lieux et des personnes, de mieux comprendre un moment de la vie.
En tant que photographe centré sur l’humain et sur la rencontre avec le sujet, j’attache une importance à l’impact d’un environnement sur nos émotions et de nos émotions sur un environnement. En ce sens, je considère la photographie comme un médium intéressant pour étudier certains aspects psychologiques de la vie, pour comprendre comment une mémoire collective peut se développer au sein d’un groupe de personnes, d’une société ou d’un territoire.
Depuis la subjectivité de mon point de vue, à travers les images, j’invite le spectateur à trouver des résonances avec des questions qui animent mon travail et qui, en fin de compte, sont intrinsèques à l’existence en tant qu’humain en société : questions d’identité, d’appartenance, d’enracinement et de déracinement, d’héritage culturel. , frontières, amour et solitude…
Je vis et travaille entre Paris, Bruxelles et Tel Aviv.

Travaux :

2012 – 2016
The Lab, Brussels.
Magnum photo workshop, Matt Stuart.

2017-2023
Travels for personal projects :
Greece, North Macedonia, Moldova, Croatia, Bosnia, Albania, Ukraine,
Turkey, Montenegro, India, Israel.
Student of Jens Olof Lasthein – editing, storytelling.

2018
Life Framer, Editor’s choice, shortlist, Heaven Under Our Feet.

2019
Head on photo festival, shortlist.
Lucie Foundation, collective exhibition.
Life Framer & Ron Haviv, shortlist, Urban Stories.
Life Framer Edition V x London, shortlist. Krakow Fotofest.
Open Eye Gallery, Now For The Future – ’Leaving Home’.

2020
Yayaki Hotel, content for social medias, consulting.
In The In-Between, Primal sight, book publication.
« Chez Greg », Prague, ‘Départs’.
FotoRoomOPEN, ‘Départs’ (X Espace Jorg Brockmann).
2 Bridges Review, ‘Départs’.
Head-On photo fest, shortlist

2021
Fine Art Photography Award, Nominee.

2022
Therapy and Art – Haklika Gallery, Tel Aviv, G., solo exhibition.
ComExposium, events, commissions.
Sept&Demi, content, commission.

2023
Haklika Gallery, Tel Aviv, Land, solo exhibition.
Corridor Elephant, publication.
Life Framer Journal, publication.
Café-Tasse / Choc&co, product photography.
Elle Décoration @ Maison Hand, Feature.
COPA, Bangkok, Portrait of the self, exhibition.
The Struggle, book, self-publish.
Kimono, Fanzine.
Amis Des Écoles, Charity print sale.
Red Ogre review, The Struggle, publication.
Glasgow Gallery of Photography, exhibition.
Welter @ University of Baltimore, To Disappear.
EPEX photo Award, Honorable mention.

2024
Haklika Gallery, Tel Aviv, Terra Firma, solo exhibition (upcoming).
The Struggle, Book publishing, Corridor Elephant (upcoming)
Homage, fanzine (upcoming).
The Source, Fanzine (upcoming).
Peatsmoke journal, Homage, publication.

SITE PHOTOGRAPHE https://sberaud.com/

LIENS EXTERNES :

Depart II – Negev 2023 (Tein)

Depart I : Les Balkans

Départs II

déambuler aux frontières sud/est-sud de l’Union européenne

Le départ, c’est l’impulsion au point ‘i’ d’un passage vers un point ‘x’ inconnu, et c’est tout ce qu’implique ce mouvement.
C’est le départ de l’enfant qui, découvrant la vie ailleurs, hors d’un « foyer » – et qui, à la rencontre d’autres destins que le sien, d’autres sons, vues, espaces – se dirige vers l’âge adulte ; c’est la mémoire qui se forme autant qu’elle se déforme…

Vers 2017, poussé par ma curiosité et par les aspects solaires que j’avais déjà ressentis au cours de ma vie en Grèce, j’ai commencé à voyager vers les frontières Sud/Est-Sud de l’Union européenne – vers ces points d’entrée-sortie de cette zone de confort : dans les balkans, en Moldavie, en Ukraine : vers ces lieux devenus quasi-déserts, vidés de leur jeunesse, de leur richesse – à cause de la guerre, de la crise,
exode…

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Départs II

(Tein)

À l’heure de doutes, loin d’une Europe qui me fait fuir – des doutes alimentés par la tension mondiale –
un ’’’plan général’ : montée dans l’extrémisme, le fanatisme, le racisme, la récession, le Brexit, le covid, la guerre en Ukraine…
Mes yeux sont perdus dans les lointains, sur une plage de Tel Aviv qui écrit des poèmes avec ses vagues – vous reposer sur ses sables…
Une photo, puis une autre : des ‘clics’.
En photographiant plus, j’ai commencé à concevoir et à comprendre vraiment le sable comme une fondation :
le fondement des spiritualités, des villes, d’une économie : d’un peuple.
Plus généralement, ce travail découle d’une réflexion sur les racines, la nature humaine et le patrimoine socioculturel.
C’est un hommage à l’Histoire et à l’esprit d’Israel.

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Gregory Crewdson

Eveningside – 2012-2022

Grégory Crewdson
Né en 1962 à Brooklyn, États-Unis.
Vit et travaille dans le Massachusetts, États-Unis.

Gregory Crewdson est diplômé de la SUNY Purchase et de la Yale School of Art, où il est actuellement professeur et titulaire de la chaire de photographie. Sa carrière s’étend sur plus de trente ans durant lesquels il a produit des séries internationalement reconnues, telles que Beneath the Roses (2003-2008), dont la réalisation a nécessité une équipe de plus de cent personnes. Crewdson a notamment reçu la Skowhegan Medal for Photography, une bourse de la National Endowment for the Arts et une bourse de la Aaron Siskind Foundation. Il a publié plus d’une douzaine de livres. Ses œuvres sont largement exposées et font partie des collections permanentes d’institutions du monde entier.

Le tome 2 en vente sur instagram @auhasartdesrues

Par Myriam Degrange

Il nous a paru qu’un tome 2 s’imposait tant les œuvres qui couvrent les murs de Lyon sont tout à la fois nombreuses, variées et sans cesse renouvelées, invitant à la (re)découverte de la ville.

L’idée est restée la même que dans le premier tome, quoique plus affirmée, de ne pas faire un livre léché mais de demeurer fidèle à une ville, Lyon, sale et envahie par la végétation, avec ses murs craquelés, ses rues fatiguées et ses portes décaties.

Les œuvres sont au contraire lumineuses à maints égards, formant un contraste intéressant lors d’un remploi original et poétique des rues de la ville.

Le changement de paradigme initié pendant la « crise sanitaire » est bien visible dans les œuvres qui se font plus que jamais témoins et miroirs, ne cessant jamais d’interroger le passant.

Davantage de rues sont montrées dans ce tome pour être en cohérence avec son titre. On y voit également l’émergence de la femme, qu’elle soit femelle, adolescente ou fillette ; de la notion de genre, quelques portraits d’hommes également et puis toujours l’évocation d’un saphisme sans fard. Du cinéma aussi, nous sommes dans la ville des frères Lumière, les collages peints de Mélissa Perre ou de SPARK notamment, ne manquent pas de le rappeler. Fait nouveau, l’instauration d’une chronologie qui permet de resserrer le propos tout en le mettant en perspective.

Les œuvres correspondront peu ou prou aux textes qui les accompagnent, textes anciens souvent mais qui trouvent aujourd’hui une résonnance particulière.

Le livre est disponible également à la vente (24€) à partir de l’instagram @auhasartdesrues

J’aime ta détermination à la hauteur de tes ambitions, démesurées, mais tu as raison il faut toujours vouloir plus et plus encore comme clit au taquet et s’accrocher comme je le fais à ton corps, à tes yeux, à tes mots, à tes gestes, à ton tricot.

On aimait sa beauté minérale, son énorme tête sur laquelle s’inclinait un sombrero, son ironie glaciale que ne parvenait pas à réchauffer son cigarillo coincé entre ses lèvres minces. Plus tard, à San Francisco, son supérieur lui reprochait d’avoir la gâchette facile, il faut dire que ladite gâchette appartenait à un magnum 44. On disait juste « Clint » ou « clintoris », entre nous, au lycée.

EXPO CLITO le 18 février à la Cooperative du Zebre, 22 rue Jean Baptiste Say (69001 Lyon)

L’usine est un monde en soi. La solidarité y est muette et pas seulement à cause du vacarme. Des trognes aux sourires édentés, des gens simples, durs à la tâche, hargneux parfois. De belles âmes souvent. La survivance du monde paysan : des chefs d’équipe bourrus et taiseux et des femmes volubiles au vestiaire après le dur labeur.

Ne vous-laissez pas faire les désirs, mes rêves, car vous êtes garants de la liberté individuelle ! Face aux cannibales, gardez toujours les bas de laine pour les vacances et les bas de soie pour l’amour, joints par les deux bouts. Morale de cette histoire : il est plus facile de résister aux cannibales qu’au cannabis.

HORIZONS OLFACTIFS  – CHRISTINE CROZAT